En collaboration avec Etienne Bideau-Rey :

L’Etang

Générique

Première publique le 4 mai 2021 au Théâtre de Vidy-Lausanne, Suisse

L’Étang a été créé en résidence au Théâtre National de Bretagne en novembre 2020. 

 

D’après l’œuvre originale Der Teich (L’Étang) de Robert Walser
Pour Kerstin

 

Conception, mise en scène, scénographie, dramaturgie Gisèle Vienne
Adaptation du texte Adèle Haenel, Julie Shanahan, Henrietta Wallberg en collaboration avec Gisèle Vienne 
Interprétation Adèle Haenel & Julie Shanahan/Henrietta Wallberg en alternance
Lumière Yves Godin
Création sonore Adrien Michel
Direction musicale Stephen F. O’Malley
Musique originale Stephen F. O’Malley & François J. Bonnet

 

Assistanat en tournée Sophie Demeyer
Regard extérieur Dennis Cooper & Anja Röttgerkamp

 

Collaboration à la scénographie Maroussia Vaes
Conception des poupées Gisèle Vienne
Création des poupées Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak & Gisèle Vienne en collaboration avec le Théâtre National de Bretagne
Fabrication du décor Nanterre-Amandiers CDN
Décor et accessoires Gisèle Vienne, Camille Queval & Guillaume Dumont
Costumes Gisèle Vienne & Camille Queval
Maquillage et perruques Mélanie Gerbeaux

 

Régie son Adrien Michel
Régie lumière Iannis Japiot & Samuel Dosière
Régie plateau Antoine Hordé & Jack McWeeny
Pièce créée en collaboration avec Kerstin Daley-Baradel & Ruth Vega Fernandez
Remerciements à Etienne Bideau-Rey, Nelson Canart, Zac Farley, Jean-Paul Vienne, César Van Looy, Pauline Jakobiak, Tristan Lahoz, Erik Houllier, Richard Pierre, Etienne Hunsinger, Mareike Trillhaas & Giovanna Rua.

 

Production et diffusion Alma Office : Anne-Lise Gobin, Alix Sarrade, Camille Queval & Andrea Kerr
Administration Cloé Haas & Clémentine Papandrea

2.5.0.0
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Partenaires

Production DACM / Compagnie Gisèle Vienne

 

Coproductions Nanterre-Amandiers CDN / Théâtre National de Bretagne / Maillon, Théâtre de Strasbourg – Scène
européenne / Holland Festival, Amsterdam / Fonds Transfabrik – Fonds franco-allemand pour le spectacle vivant / Centre Culturel André Malraux, Scène nationale de Vandœuvre-lès-Nancy / Comédie de Genève / La Filature, Scène nationale de Mulhouse / Le Manège, scène nationale – Reims / MC2: Grenoble / Ruhrtriennale / TANDEM Scène nationale / Kaserne Basel / International Summer Festival Kampnagel Hamburg / Festival d’Automne à Paris / théâtre Garonne, scène européenne – Toulouse / CCN2–Centre chorégraphique national de Grenoble / BIT Teatergarasjen, Bergen / Black Box teater, Oslo

 

Avec le soutien du CN D Centre national de la danse, de La Colline – théâtre national et du Théâtre Vidy-Lausanne

 

Remerciements au Point Ephémère pour la mise à disposition d’espace et au Playroom, SMEM, Fribourg pour la
mise à disposition de studio son

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Présentation

Adaptation d’un court texte de jeunesse de l’écrivain suisse Robert Walser, l‘Etang expose au regard les plis et replis d’une histoire d’amour filial, en distribuant les rôles entre deux comédiennes, Adèle Haenel et Ruth Vega Fernandez.

 

 

Qu’est-ce qui vous a amenée à ce texte de Robert Walser ?
J’admire l’écriture de Robert Walser. C’est Klaus Händl, un écrivain et réalisateur autrichien, avec lequel j’ai une entente artistique et amicale qui, en 2014, avec la collaboration de Raphael Urweider, a traduit L’Étang du suisse-allemand en allemand, qui m’a fait découvrir ce texte peu connu. Il m’est apparu comme une évidence, d’abord sensible, de mettre en scène ce texte, questionnement troublant des sentiments, de l’ordre, du désordre et de la norme. Et ce drame familial, qui reflète la violence de la norme sociale inscrite dans notre corps.

 

Qu’avez-vous trouvé dans ce texte, ou dans ses creux, qui vous a donné envie de l’adapter ?
C’est une pièce de théâtre que Walser a écrite pour sa sœur, un texte privé qu’elle a révélé bien après sa mort. On imagine dès lors qu’il n’était pas évident pour lui de la retrouver un jour sur un plateau et que ce texte devienne autre chose qu’une parole intime adressée à sa sœur. Elle est quand même écrite avec huit scènes, des personnages, des dialogues, des espaces qui semblent très concrets. Cette pièce de théâtre, qui n’en est peut-être pas une, malgré cette forme, m’apparait plutôt comme la nécessité d’une parole si difficile à exprimer sous une autre forme. Je la lis
aussi comme un monologue à dix voix, une expérience intérieure bouleversante. L’espace possible de l’interprétation et de la mise en scène, ouvert par l’intertexte et le sous-texte que propose cette écriture, est vertigineux. Les pièces de théâtre qui me stimulent le plus sont celles qui ne sont pas évidentes pour le plateau, et invitent à remettre notre perception en question, également à travers les difficultés formelles qu’elles posent.
L’Étang est l’histoire d’un garçon qui se sent mal aimé par sa mère et va simuler, au comble de son désespoir, un suicide pour vérifier une ultime fois l’amour qu’elle lui porte. Le texte est traversé par une confusion, une détresse adolescente très forte tout comme une sensualité déroutante. On retrouve dans L’Étang, comme dans toute l’œuvre de Walser, à travers une écriture sensible, drôle, et discrètement mais franchement subversive, les questions liées à l’ordre, les règles, leur respect et leur remise en question. Le rapport du dominé, qui a toujours le rôle central dans
son œuvre, au dominant. Le dominé, apparemment sage, y est réellement subversif. Il connaît toujours si bien les règles, mais les renverse, n’arrive pas à les suivre ou, plus souvent, ne le souhaite pas, les critique en faisant semblant de les suivre. L’espace de réflexion qu’ouvre donc ce texte à la mise en scène, se doit d’interroger l’ordre justifié par une norme, celle, formelle, du théâtre et de la famille. Comme un tableau verni qui craquerait, L’Étang, à travers ses fissures, s’ouvre au jeu des abîmes et du chaos. Il y a quelque chose pour moi d’extrêmement jubilatoire à côtoyer ces abysses. J’aime le spectacle vivant, la recherche de l’instant présent dans l’épaisseur du réel, du plus vivant, l’intensification de l’expérience et l’expérience émotionnelle du temps. Et le plus vivant, ce n’est pas de s’endormir dans nos structures, mais de les remettre toujours profondément et sincèrement en question, tout comme notre perception.

 

Comment transcrire ces enjeux dans la mise en scène ?
En se faisant côtoyer différentes strates de lectures, qui peuvent même être en tension ou en contradiction entre elles. En se faisant côtoyer différents langages formels, c’est à dire différentes hypothèses de lecture du monde. En provoquant une remise en question des signes déployés au cœur même de la mise en scène et durant son développement. En traversant des expériences où le corps remet en question la raison, en expérimentant et provoquant des failles dans notre lecture du monde, car, comme l’analyse Bernard Rimé dans son texte passionnant “Emotions at the service of Cultural Construction”, “Les émotions signalent des failles dans les systèmes d’anticipation de la personne ou, en d’autres termes, dans certains aspects du modèle de fonctionnement du monde”.
Dans ma mise en scène de L’Étang, de manière synthétique, il y a de nombreuses strates de lectures, dont trois qui sont les plus lisibles. La première, c’est l’histoire telle qu’on la lirait au premier degré. La deuxième, qui à mon sens arrive de façon assez évidente, émet l’hypothèse d’une personne qui imaginerait, fantasmerait, délirerait cette histoire, qui ressemble peut-être plus à l’expérience que pourrait faire Walser lui-même de son texte, avec une mise en scène qui rappelle ce rapport à l’imagination qui n’est pas égal : certains éléments sont extrêmement précis et
vivants, d’autres sont plus flous ou absents. Ces différences de perception peuvent être visibles ou sensibles de différentes manières sur scène, à travers, par exemple, différents degrés d’incarnation et de désincarnation des corps. Également, à travers les différents traitements de temporalités qui caractérisent l’écriture du mouvement, de la musique, de la lumière, de l’espace, tout comme l’interprétation du texte, et qui traduisent notamment la perception sensible du temps. Les différentes temporalités participent de cette écriture des strates qui permet leur articulation
formelle et le déploiement de l’expérience du présent, entre le réel et le fantasmé, constitué notamment par le souvenir, le passé et le futur anticipé.
Et puis la troisième strate, c’est ce que l’on voit si l’on ne suit pas les conventions du théâtre : deux comédiennes dans une boite blanche, Adèle Haenel et Ruth Vega Fernandez, qui jouent cette pièce de Robert Walser. C’est toujours assez surprenant, de découvrir ce que l’on accepte de voir par rapport à ce que l’on voit, conditionnés par les conventions de lecture. Au théâtre, le regard est conditionné par nos constructions culturelles. En dehors aussi. On le sait, et pourtant la mise en perspective de ces constructions, et leur déconstruction, est un exercice complexe. Dès lors il me semble essentiel de réussir à remettre en question nos habitudes perceptives. En espérant que l’expérience artistique, la création si nécessaire de nouvelles formes, et ainsi de nouvelles lectures et expériences du monde, puisse nous permettre d’interroger et faire vaciller la pseudo-réalité, fruit de la création partagée de la représentation de la réalité, la norme sociale.

 

Comment avez-vous envisagé le travail sur le son et la musique, avec Stephen O’Malley ?
Je vois de la musique partout : dans les couleurs, les lignes, les mouvements, les corps, le texte, les sons… Ce qui influe directement sur ma manière de mettre en scène et de chorégraphier. D’un point de vue purement sonore, ce qu’on entend d’abord, ce sont les voix amplifiées d’Adèle Haenel et Ruth Vega Fernandez, qui interprètent le texte de façon très intime à travers un jeu complexe de dissociation de voix. Adèle interprète la voix et le corps de Fritz, le garçon qui a un rôle central, tout comme les voix des autres enfants et adolescents qui semblent muets dans la représentation que j’en fais ; Ruth interprète les voix et corps des deux mères, la voix du père et parfois davantage. Elles sont également interprètes d’elles-mêmes. Il s’agit d’une partition vocale pour dix voix, interprétées par deux personnes.
La collaboration avec Stephen O’Malley sur mes pièces se poursuit depuis treize ans, cette nouvelle collaboration s’inscrit donc dans notre long dialogue artistique. L’écriture de la musique suit intrinsèquement le processus de création, car la composition de mes pièces articule intimement la musique à la mise en scène, tout comme l’espace et la lumière. L’écriture scénique étant pour moi bien l’articulation de tous les médiums de la scène, ils sont tous présents en chantier dès le début du travail et évoluent au cours des répétitions. Les compositions musicales originales de Stephen O’Malley, présentes sur une grande partie de la pièce, semblent aussi faire partie du jeu d’Adèle et de Ruth, comme des extensions de leur corps. Ces musiques, de même que le morceau original composé par François Bonnet, ont une charge émotionnelle très forte, leur matière est viscérale, et leur composition travaille puissamment le temps autant que l’espace.

 

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Cette pièce est créée en souvenir de notre très chère amie et collaboratrice, la comédienne Kerstin Daley-Baradel,
décédée en juillet 2019, et avec qui nous avions développé si intimement ce travail.

 

Propos recueillis par Vincent Théval pour le Festival d’Automne à Paris 2019

Musique originale

 

Création sonore Adrien Michel

Direction musicale Stephen F. O’Malley

Musique originale Stephen F. O’Malley & François J. Bonnet

 

DoubleN “The Ride”

Ecrit, produit et mixé pour Cosmos Productions.

 

Mother in Dreams (at Frau Kocher’s)*

De Stephen F. O’Malley

Orchestration: Owen Morgan Roberts

Violoncelle: Judith Hamann, Lucy Railton

Contrebasse : Félicie Bazelaire, Benjamin Duboc

Enregistré au Studio Delta, Paris Juillet 2019

Mix EMS, Stockholm Août 2020

 

Smoking Mother*

De Stephen F. O’Malley

Enregistré à la SMEM, Fribourg Décembre 2018

Mix EMS, Stockholm Août 2020

 

Khanate “Too Close Enough to Touch” (version)

Alan Dubin: Voix

Stephen O’Malley: Guitare

James Plotkin: Basse + synthétiseur

Tim Wyskida: Percussion

Enregistré au Hawkin’s Loft, Brooklyn 2002-2003

 

Laurence Crane “Bobby J” (1999)

Interprété par Alan Thomas

Enregistré au Hoby, Leicestershire Août 2013

 

Der Teich Final*

De François J. Bonnet

Enregistré à Paris, 2019

 

*Compositions originales pour L’Etang

 

Prochaines représentations

Historique

Presse

  • Dossier pédagogique réalisé par Gwenaëlle Hebert (chargée de mission théâtre, Délégation académique à l'action culturelle de l'Académie de Strasbourg). Les dossiers "Pièce (dé)montées" accompagnent les enseignants, les classes et les élèves dans leur découverte de la création théâtrale.
    "Pièce (dé)montée : L'Etang"